Hablar del proceso creativo de un artista es intentar poner palabras a algo que, muchas veces, no las tiene. No es una fórmula, ni una secuencia exacta de pasos que se repiten. Es más bien un diálogo constante entre lo que sentimos, lo que vemos y lo que dejamos salir.
No hay nada exacto ni universal en este proceso. Cada artista lo vive y lo construye de forma distinta. Sin embargo, existen ciertos ejercicios que pueden apalancar el proceso creativo: limitar la paleta de colores, trabajar con tiempos definidos, pintar sin levantar el pincel o incluso dejar que el cuerpo marque el ritmo sin pensar demasiado.
Creo que la evolución de cada artista está profundamente ligada a descubrir cuáles son las mejores condiciones de su entorno creativo. La luz, el silencio o el ruido, la música, el momento del día, el orden o el caos… todo influye. Encontrar ese espacio propio no es inmediato, es parte del camino.
En la pintura abstracta, este proceso de pintura artística se vuelve todavía más libre. No hay una figura que imitar, ni una realidad que representar fielmente. Aquí, lo que importa es lo que ocurre dentro… y cómo eso se traduce en color, gesto y materia.
Toda obra empieza antes del lienzo.
A veces nace de una emoción que no encuentra salida. Otras, de una imagen fugaz, de un recuerdo, de una incomodidad o incluso de una necesidad de silencio. No siempre hay una idea clara. De hecho, muchas veces no la hay.
En mi práctica, el inicio rara vez es racional. No me siento a “pensar” qué voy a pintar. Más bien dejo que algo se acumule hasta que necesita salir. Ese es el verdadero punto de partida del proceso de pintura artística: cuando ya no puedes no hacerlo.
Uno de los momentos más intensos es enfrentarse al lienzo en blanco. No por miedo, sino por todo lo que puede llegar a ser.
Aunque hablemos de “lienzo”, no necesariamente se trata siempre de tela. La pintura puede habitar muchas superficies. El soporte también forma parte del lenguaje de la obra: madera, hierro, piedra u otros materiales pueden transformar completamente el resultado y la energía del proceso.
Este es un proceso profundamente individual. No hay normas externas que definan lo que está bien o mal. Es un espacio donde la libertad es total, donde cada decisión te pertenece por completo. Elegir un color, hacer un trazo, cubrir una parte o dejarla respirar… todo nace desde ti. En ese instante, eres completamente dueño de tus decisiones.
Aquí comienza la primera elección: el color.
La elección del color no es decorativa, es emocional. Cada tono tiene una carga, una intención, una energía. A veces elijo una paleta limitada, otras dejo que los colores aparezcan sin demasiada planificación. En la pintura acrílica sobre lienzo técnica, la rapidez del secado permite trabajar desde el impulso, sin detener demasiado el gesto.
El color marca el ritmo de la obra. Puede calmarla, tensarla, romperla o reconstruirla.
Si hay algo que define cómo se hace un cuadro abstracto, es la intuición.
No hay boceto previo cerrado. No hay un “resultado final” definido desde el inicio. Lo que hay es una escucha constante: del cuerpo, del gesto, del propio cuadro.
El impulso creativo aparece en el hacer. En el primer trazo, en la primera mancha, en la decisión de cubrir o dejar visible una capa anterior. Pintar, en este sentido, es también reaccionar.
Muchas veces, lo más interesante ocurre cuando dejas de controlar. Cuando permites que el error entre, que el trazo no sea perfecto, que la pintura caiga donde no esperabas. Ahí es donde la obra empieza a tener verdad.
Una de las técnicas de pintura abstracta más presentes en mi trabajo es el uso de capas.
Cada capa cuenta algo, pero también oculta lo anterior. Es un proceso de construcción y destrucción constante. Pintar no es solo añadir, también es borrar, tapar, rasgar, volver a empezar sobre lo ya hecho.
En la pintura acrílica sobre lienzo técnica, esto se vuelve especialmente interesante porque permite superponer rápidamente. Puedes trabajar con transparencias, texturas, contrastes de opacidad… y cada decisión deja rastro, aunque no siempre sea visible.
Las capas son memoria. Incluso cuando no se ven, están ahí.
Llega un momento en el proceso en el que la pintura deja de ser solo una acción tuya y empieza a responder.
Ya no se trata de imponer, sino de escuchar. De observar qué necesita la obra, qué le sobra, dónde está el equilibrio o el conflicto.
Este diálogo es clave en el proceso creativo de un artista. No todo vale. La libertad no significa ausencia de criterio. Significa saber cuándo parar, cuándo insistir y cuándo soltar.
A veces, una obra se resuelve en pocas horas. Otras, necesita días, pausas, distancia. Saber alejarse también forma parte del proceso.
Una de las preguntas más difíciles: ¿cuándo parar?
No hay una respuesta exacta. No hay un punto objetivo que diga “ya está”. Es más bien una sensación. Un momento en el que la obra deja de pedir y empieza a sostenerse por sí sola.
Pero incluso esa sensación puede cambiar con el tiempo.
Tengo una serie llamada “cuando no me veo”. Cuatro años después de haber expuesto esas cinco obras, entendí que aquel proceso no estaba cerrado. Que algo seguía latiendo ahí, pendiente. Hoy he vuelto a ellas. Las estoy trabajando de nuevo, escuchándolas desde otro lugar.
Eso también es parte del proceso de pintura artística: aceptar que una obra no siempre se termina cuando se expone.
Y, sin embargo, hay algo muy claro cuando sí ocurre. La sensación al acabar cada obra es parecida a una exhalación. Una tranquilidad que llega después de haber sostenido el aire durante demasiado tiempo. No es euforia, es calma. Es saber, sin necesidad de explicarlo, que hasta ahí era.
Aunque existan técnicas, materiales y ciertas formas de trabajar, el proceso creativo de un artista no se puede copiar.
Cada artista desarrolla su propio lenguaje, su propia manera de enfrentarse al lienzo, sus propios ritmos. En mi caso, el trabajo nace desde lo visceral, desde lo no dicho, desde una necesidad de sacar fuera lo que no siempre se puede explicar.
La pintura abstracta me permite precisamente eso: no tener que justificar, no tener que traducirlo todo a palabras.
En un mundo donde muchas veces se valora más el resultado que el proceso, detenerse a observar cómo nace una obra es casi un acto de resistencia.
El valor no está solo en el cuadro terminado, sino en todo lo que ha ocurrido antes: las dudas, los cambios, los impulsos, los errores, las decisiones.
Entender el proceso de pintura artística no solo acerca al espectador a la obra, también lo conecta con algo más profundo: la capacidad de crear desde uno mismo, sin filtros.
Desde ese mismo lugar nace Vino en mi atelier. No como una clase tradicional, sino como un espacio donde, a través de pequeños ejercicios de creatividad, propicio un momento real de expresión. Un lugar donde las personas pueden soltarse, dejar a un lado el juicio y simplemente disfrutar del proceso de pintar una obra. Aquí, el foco no está en hacerlo “bien”, sino en sentir, explorar y conectar con algo propio.
Porque cuando se elimina la presión del resultado, aparece algo mucho más honesto.
Esa misma esencia se traslada también a las obras por encargo. Existe una sinergia muy particular entre el artista y la persona que confía en él. No se trata solo de crear una pieza estética, sino de interpretar una historia. El artista recoge lo que el cliente quiere contar — a veces incluso lo que no sabe cómo expresar — y lo traduce a su propio lenguaje visual.
Ahí es donde ocurre algo interesante: la obra deja de pertenecer solo a uno. Es un punto de encuentro entre dos mundos. Entre quien siente y quien transforma.
Porque al final, pintar no es solo hacer un cuadro. Es una forma de estar en el mundo. Y, a veces, también una forma de encontrarse en él.
Vera de Plomo
